Altes Märchen neu erzählt

Vor allem hat mich gereizt, die Emotionen des Geschwisterpaars ohne Text zu erzählen. In Humperdincks Oper wird überwiegend gesungen, das Märchen wird also über den Text vermittelt. In unserer Fassung hingegen werden die Erlebnisse von Hänsel und Gretel vor allem über die Musik und die Bilder auf der Leinwand erzählt.

«Hänsel und Gretel» zählte zu meinen ersten und liebsten Märchen. Hinzu kommt, dass es in der Nähe meines Elternhauses einen Wald gibt, und auf dem Berg steht ein Haus, das meine Geschwister und ich «Hexenhaus» nannten. Auch heute gehe ich jeden Tag durch den Wald: Mein Hund fordert das zu jeder Tages- und Jahreszeit ein. So komme ich im Lauf des Jahres sowohl durch idyllische als auch durch raue, kalte und gruselige Waldabschnitte.

Gemeinsam mit dem Regisseur Richard Schmetterer habe ich zunächst festgelegt, welche Inhalte wir erzählen und in welche Emotionen wir an welcher Stelle der Geschichte eintauchen wollen. Die größte, zugleich aber schönste Herausforderung bestand darin, die richtige Dosierung zu finden. Furcht ist nicht gleich Furcht, sie hat viele Abstufungen, und uns war wichtig, das junge Publikum nicht zu verstören. Da wir uns an der Fassung der Gebrüder Grimm orientieren wollten, lassen sich gruselige Szenen nicht vermeiden – sonst wäre es nicht mehr «Hänsel und Gretel». Die Frage war also: Wie viel Dosis macht das Gift?

Wir konnten die Performance von Anfang an sehr bildhaft denken. Durch die Visualisierung der Reise durch den Wald in Verbindung mit der Musik lässt sich das gesamte Märchen eindrucksvoll darstellen.

Es gibt zahlreiche überlieferte Varianten von «Hänsel und Gretel», etwa «Der Menschenfresser und zwei Kinder». Wir haben uns an die Fassung der Gebrüder Grimm gehalten und das Märchen in seiner Substanz unverändert gelassen, jedoch einzelne Anpassungen vorgenommen. So gibt es zu Beginn keinen Konflikt mit den Eltern, da die Geschichte ohnehin viele gruselige Szenen enthält. Außerdem haben wir einen Vogel hinzugedichtet, der für Geleit und Heimkehr steht. Und schließlich ist das Haus in unserer Erzählung kein klassisches Lebkuchenhaus mit einer Hexe mit Hut, sondern ein rummelplatzartiges Zauberhaus mit Zuckerwatte, Karamell und Schokolade.

Der Wald klingt knisternd, schaurig und sanft. An das Hexenmotiv gab es mehrere Anforderungen: Es musste zu unterschiedlichen Situationen und Sichtweisen passen – kumpelhaft und vertrauenerweckend, zugleich aber bedrohlich und rücksichtslos. Ich habe Hunderte Motive geschrieben, bevor ich zu einem Wort die passende Musik fand, das mich nicht mehr losließ: «picksüß». Genau das war für mich die Hexe. Den Klang dazu erzeugen das Pizzicato auf der Violine und, im Unisono, das Staccato auf Flöte und Klarinette.

Die Angst darf da sein, aber sie darf nicht gewinnen. Themen, die musikalisch das Verlorensein ausdrücken, mussten in weiterentwickelter Form auch das Aufgehobensein tragen können.

Zum Beispiel dieser: In unserer Erzählung wird Hänsel zunehmend dicker und Gretel zunehmend dünner. Kinder sind heute schon früh mit körperlichen Idealvorstellungen konfrontiert. Wir wollten verdeutlichen, dass Extreme ungesund sind.

Aus dieser Besetzung ergeben sich besondere Klangfarben, die ich gezielt für unterschiedliche Stimmungen einsetzen konnte: etwa ein fernes Horn, das verloren klingt, ein kratzender Cello-Effekt, der dem knarzenden Wald seine Düsternis verleiht, oder diese Kombination aus Violin-Pizzicato und Staccato auf der Flöte, die der Hexe ihren picksüßen Charakter gibt.

Ja. Die erste Probe war bewusst früh angesetzt, damit wir einander kennenlernen konnten.

Ich schreibe viel Ensemblemusik. Das Besondere war in diesem Fall die sehr außergewöhnliche Besetzung, für die ich im Vorfeld keinerlei Orchestrierungsreferenzen hatte. Wie verteilt man die Funktionen innerhalb der Musik am sinnvollsten? Welche Klangfarbkombinationen bieten sich an? Wo verschmelzen die Klänge, und wo treten sie in Kontrast zueinander? Das erforderte im Schreibprozess viel Vorstellungskraft, damit das Ensemble zu einem gemeinsamen «Blend» finden kann.

In diesem konkreten Fall war es eine echte Mammutaufgabe abzuwägen, welche dunklen Szenen wir kürzen und an welchen Stellen wir etwas «Positives» ergänzen sollten, um das junge Publikum nicht über längere Zeit mit Spannung und Düsternis zu überfordern.

Schon als Jugendlicher habe ich bei Federspiel erste Arrangements und Kompositionen geschrieben. Später kam das Songwriting hinzu, und 2017 folgte mit dem Auftrag des Tonkünstler-Orchesters mein erstes Werk für großes Symphonieorchester. Damals begann meine Leidenschaft für das Komponieren richtig zu brennen. Ich stand zu dieser Zeit noch selbst auf der Bühne und erinnere mich gut daran, wie überwältigt ich vom Klang des Orchesters war. Erstmals hatte ich eigene Kompositionen für großes Orchester umarrangiert und dabei festgestellt, dass das, was ich mir im Kopf vorstelle, in der Realität genauso klingt – vielleicht sogar noch ein bisschen besser. In diesem Moment gab es für mich kein Zurück mehr. In den zahlreichen Orchester- und Ensembleaufträgen, die folgten, habe ich diese neue Erfahrung in vollen Zügen ausgekostet.

Ideen entstehen auf ganz unterschiedliche Weise: aus einem Gespräch, einer Emotion, einer Improvisation oder – wie bei «Hänsel und Gretel» – aus der Imagination der einzelnen Abschnitte. Manchmal ist es nur ein kleiner Impuls, den ich gedanklich weiterentwickle, manchmal fühlt es sich an wie ein Ausbruch, und das Werk entsteht förmlich explosionsartig in meinem Kopf.

Junge Hörerinnen und Hörer sind oft unvoreingenommen. Ihre Wissbegierde und ihre schonungslose Ehrlichkeit schätze ich sehr. Wenn die Stimmung eines Werks die Essenz der jeweiligen Szene trifft und das Publikum gebannt auf die Bühne blickt und lauscht, ist das ein großartiger Moment. Ich darf für verschiedene Programme für junges Publikum Musik beisteuern, und immer wieder begegnen mir Menschen, bei Veranstaltungen oder einfach in Wien auf der Straße, die mir erzählen, dass Eltern wie Kinder die Melodien noch kennen und zu Hause summen oder nachsingen.

Zum einen möchte ich erreichen, dass das Publikum durch die Musik unterschiedliche Gefühle nachempfinden und mit Situationen verbinden kann. Zum anderen möchte ich vermitteln: Auch wenn der Weg oft steinig und schwer ist – wer sich durchkämpft und nicht aufgibt, kann großartige Abenteuer erleben und mit schönen Erinnerungen und gestärkt nach Hause zurückkehren.